Rembrandt

Autoportrait 1629

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (né en Juillet 15, 1606, Leiden, aux Pays-Bas  et décédé le 4 octobre 1669, Amsterdam), peintre hollandais  du 17e siècle.

Autoportrait 1634

Ses peintures se caractérisent par pinceau luxuriante, riche en couleur, et une maîtrise du clair-obscur. De nombreux portraits et autoportraits montrent une pénétration profonde du personnage. Ses dessins constituent un record vif d'Amsterdam la vie contemporaine.

Autoportrait 1660

 Le plus grand artiste de l'école hollandaise, il était un maître de la lumière et l'ombre dont les peintures, dessins, gravures et fait de lui un géant dans l'histoire de l'art.

Méditation

Son père était un meunier qui voulait que le garçon de suivre une profession savante, mais Rembrandt a quitté l'Université de Leyde pour étudier la peinture. Ses premiers travaux a été consacrée à montrer les lignes, lumière et ombre, et la couleur des gens qu'il voyait autour de lui. Lorsque Rembrandt s'est établi en tant que peintre, il commence à enseigner et à enseigner l'art continua toute sa vie.

En 1631, lorsque le travail de Rembrandt était devenu connu et son atelier de Leyde était florissante, il s'installe à Amsterdam. Il est devenu le portraitiste leader en Hollande et a reçu de nombreuses commandes de portraits ainsi que des peintures de sujets religieux.

Il a vécu la vie d'un riche citoyen respecté et a rencontré la belle Saskia van Uylenburgh, qu'il avait épousée en 1634. Elle était le modèle pour plusieurs de ses peintures et dessins.

 Rembrandt de cette période est caractérisé par des effets d'éclairage fort. En plus de portraits, Rembrandt atteint la renommée pour ses paysages, il se classe parmi les premiers de tous les temps.

 Quand il n’avait aucun autre modèle, il peint ou dessine sa propre image. Il est estimé qu'il a peint entre 50 et 60 autoportraits.

En 1636, Rembrandt commence à dépeindre plus silencieux, plus contemplative scènes avec une chaleur de nouvelle couleur.

 Durant les prochaines années trois de ses quatre enfants morts en bas âge, et en 1642 sa femme décède.

 Dans les années 1630 et 1640 il réalise des dessins et gravures de nombreux paysages. Ses peintures de paysages sont imaginatifs, représentations riches de la terre autour de lui.

Rembrandt avait pris l'habitude de vivre confortablement. De l'époque où il pouvait se le permettre, il a acheté de nombreuses toiles d'autres artistes. 

Vers le milieu des années 1650-il vivait tellement au-delà de ses moyens que sa maison et ses biens devaient être vendus aux enchères pour payer certaines de ses dettes. Il avait moins de commandes dans les années 1640 et 1650, mais sa situation financière n’est pas insupportable.

 Pour les étudiants d'aujourd'hui de l'art, Rembrandt demeure, comme le peintre hollandais Israël Jozef dit, «le vrai type de l'artiste, libre, sans entrave par les traditions."

Danielle Raspini et ses Arlésiennes

Danielle Raspini "peintre des Arlésiennes". Elevée en Bourgogne, cette artiste a débuté sa carrière dans le design textile après avoir fait les Beaux-Arts

Extraordinaires parce que Danielle  Raspini aime ce qu’elle peint, celles et ceux qu’elle dessine.
A l’image d’un temps révolu, elle est une artiste qui sait prendre le temps.

Elle a besoin de suivre son inspiration de parfaire un trait, une teinte, de revenir sur un tableau ou d’attendre que l’heure soit propice.

Sur des fonds abstraits ses arlésiennes peintes sur la base de pigments naturels révèlent une puissance phénoménale

. Danielle  Raspini a rencontré la tradition provençale. C’est là un fait unique. Elle en a compris l’essentiel, le modernisme.

C’est peut-être pour cela que chacun de ses tableaux est au-dessus du précédent. Elle le commence avec un regard renouvelé, ne remise en question complète et le terminera quand elle le jugera parfait, et pas avant.

Les Arlésiennes, est la meilleure manière de mettre en valeur l'élégance des vêtements. Ses portraits sont bien actuels et contemporains, tant dans la composition, la technique, la lumière que dans le propos. Les Arlésiennes ne sont  pas une série-souvenir relative au port du vêtement traditionnel d'antan... mais bien l'expression d'une mode actuelle 

Picasso Pablo

Pablo Picasso était un artiste espagnol né à Malaga le 25 octobre 1881, mort le 8 avril 1973 à Mougins, enterré dans le parc du château de Vauvenargues dans les Bouches-du-Rhône. Il est principalement connu pour ses peintures, et est l'un des artistes majeurs du XXe siècle. 

Auto portrait 1896

Picasso a ainsi commencé la peinture dès son plus jeune âge et réalise ses premiers tableaux à huit ans. 

Picador 1889

Pigeons 1890

Les premières toiles sont signées Ruiz-Picasso. Et la toute première, Le Picador, date de ses 7 ans. Le peintre n’a jamais voulu s’en séparer. Aujourd’hui, elle se trouve au Musée Picasso de sa ville natale, Malaga.

Père de Picasso

Mère de Picasso

En 1896, il entre à l'école des Beaux-Arts de Barcelone. Signant d'abord du nom de son père, Ruiz Blanco, il choisit finalement d'utiliser le nom de sa mère, Picasso, à partir de 1901.
Picasso a eu des périodes de couleur, la bleue, rose, et ensuite le cubisme

La première communion 1895-1896

La période bleue correspond aux années 1901-1903.
 Elle tire son nom du fait que le bleu est la teinte dominante de ses toiles à cette époque, qui a débuté avec le suicide de son ami Carlos Casagemas , Casagemas est plus fortuné et, vers la fin de 1900, il emmène Pablo à Paris. Ils s’installent sur la Butte de Montmartre

Auto portrait 1901

Déjeuner d'un aveugle

Le 17 février, au café de la Rotonde, boulevard Montparnasse, Casagemas tente de tuer Germaine cette femme qui ne voulait plus de lui car  il ne pouvait le supporter puis retourne son arme contre lui et met fin à ses jours. Il n’a pas vingt ans. 

La mort de son ami Cassegnas

Cette mort va marquer profondément Pablo Picasso et, sans aucun doute, influencer la suite de sa carrière. Picasso est surtout obsédé par l’image de l’impact de la balle sur la tempe de son ami. Il en fait un tableau, La mort de Casagemas. Il donne au visage de son ami et au linceul une légère coloration bleutée. Ce sera le début de ce qu’on appellera sa période bleue. Où la mort, la vieillesse et la pauvreté seront les thèmes récurrents. 


Saltimbanques, mendiants, aveugles et mères esseulées peuplent alors l'œuvre de Picasso, qui réalise aussi des tableaux dont les thèmes sont issus de mouvement symboliste de la fin du XIXe siècle.


Sa période rose à partir de 1904
À partir de 1904, il s'installe à Paris, au Bateau-Lavoir. Il y rencontre sa première femme : Fernande Olivier. C'est le début de la période rose. Comme précédemment, c'est l'utilisation des teintes rosées dominantes qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés restent mélancoliques et dominés par les sentiments ; on y trouve aussi de nombreuses références au monde du cirque. Picasso privilégia pendant cette période le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur. Cette période durera environ 3 ans

l'acteur 1904

Au lapin agile 1905

La période cubisme :

De 1907 à 1914, il réalise des peintures qui seront appelées cubistes. Elles sont caractérisées par une recherche sur la géométrie et les formes représentées : tous les objets se retrouvent divisés et réduits en formes géométriques simples, souvent des carrés. Cela signifie en fait qu'un objet n'est pas représenté tel qu'il apparaît visiblement, mais par des codes correspondant à sa réalité connue.

Trois femmes 1908

Bonnet blanc

L'œuvre fondatrice du cubisme est Les Demoiselles d'Avignon, une représentation de prostituées dénudées de la rue d'Avignon, à Barcelone. Ce tableau, de format monumental, est achevé par Picasso durant l'été 1907, mais il prépare cette œuvre dès 1906 par une série de dessins et de peintures préparatoires.

Les Demoiselles d'Avignon 1908

 Son surréalisme
Picasso revient ensuite pendant quelques années au figuratif, avec notamment des portraits familiaux. Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement surréaliste — les corps représentés sont difformes, disloqués, monstrueux — mais d'un surréalisme personnel.

Deux nues, deux têtes d'hommes 1972

Nu Couche 1972

Une de ses dernières oeuvres

David Graux

Jeune peintre né à Besançon en 1970.

Ses tableaux, ses thèmes sont la femme avec plein de sensibilité et de sensualité

Les fonds sont abstraits très travaillés, aux multiples jeux de matières et au graphisme compliqué. 

Elle s'en détache par la pureté de ses lignes, sa finesse et sa douceur. Le fond, comme la femme, est porteur de mystère

Une splendeur , je ne me lasse pas de les regarder 

 Ses tableaux sont exposes dans une galerie a Paris " La boutique a Jacques"

Le site ou vous pouvez voir :

http://laboutiqueajacques.com/Autour_dessin.html

Et vous qu'en pensez- vous?

Matisse Henri

Fils d'un marchand de grains, Henri Matisse naît au Cateau-Cambrésis, dans le nord de la France, le 31 décembre 1869. En 1890, pour le distraire pendant une maladie, sa mère lui achète une boîte de couleurs qui va décider de sa vocation de peintre. 

Leçon de Musique

En 1892, Matisse s'inscrit aux cours du soir de l’École des Arts décoratifs. En 1895, Gustave Moreau l'admet sans examen dans son atelier où il commencera sa véritable formation.

En 1896, il expose ses premières œuvres au Salon de la Nationale.

Joie de vivre

Après son mariage en 1898, Matisse se rend à Londres. Par la suite, il fera la connaissance de Derain, Rodin, Signac, Picasso...
En 1905, Matisse devient la vedette du Salon d'Automne où la cage centrale des "Fauves" fait scandale. En 1906, il présente au Salon des Indépendants, une de ses toiles les plus célèbres : La Joie de Vivre.

Filles jeun et rouge

Matisse a poursuivi l'expressivité de la couleur tout au long de sa carrière. Ses sujets étaient largement domestiques ou figuratif, et une verve méditerranéenne préside distinctes dans le traitement. Matisse, maître de la couleur

Fenêtre ouverte

 

Matisse était un homme lent et méthodique, par tempérament
Carrière artistique de Matisse a été longue et variée, couvrant de nombreux styles différents de la peinture à l'abstraction proche. Très tôt dans sa carrière de Matisse était considéré comme un fauve, et sa célébration de couleurs vives atteint son apogée en 1917 quand il a commencé à passer du temps sur la Côte d'Azur à Nice et Vence

Madame Matisse

En  1941, Matisse a été diagnostiqué comme ayant un cancer du duodénum et a été définitivement confiné à un fauteuil roulant. Il était dans cet état ​​qu'il a rempli la chapelle magnifique sur le Rosaire à Vence.
L'art de Matisse a une force étonnante et vit de droit inné dans un monde paradisiaque dans lequel Matisse dessine tous ses téléspectateurs.
 Il gravitait aux quelque belle et produit de la beauté la plus puissante jamais peint.
 Il était un homme de tempérament anxieux, comme Picasso, qui voyait en lui son seul rival, était un homme de craintes paysan, bien caché.
 Les deux artistes, à leur manière, fait face à ces perturbations grâce à la sublimation de la peinture: Picasso détruit sa peur des femmes dans son art, tandis que Matisse cajolé sa tension nerveuse dans la sérénité.

La musique

 Il a parlé de son art comme étant «comme un bon fauteuil" - une comparaison ridiculement inepte pour un tel homme brillant - mais son art a été un répit, un sursis, un réconfort pour lui.
Matisse d'abord devenu célèbre

Amélie

Matisse s'installe dans une période d'invention désintéressé. Dans cette dernière phase, trop faible pour s'établir à un chevalet, il crée ses découpages, sculpture en papier de couleur, ciseaux des formes, et les collages en images, parfois très vaste. 

Il mourut le 3 novembre 1954, sur la colline de Cimiez.